Y como conclusión

Llegamos al final de la etapa. Ha sido un semestre lleno de experiencias que sin duda nos ayudarán en nuestro futuro trabajo.
Hemos ampliado nuestros saberes acerca de las distintas técnicas artísticas, hemos aprendido a interpretar obras de arte desde diferentes perspectivas, hemos redefinido una obra para después llevar a cabo un proyecto propio, hemos aprendido que si queremos que nuestros alumnos no reproduzcan estereotipos el dibujo libre NO es una opción, ni que es capaz, por sí solo, de desarrollar la creatividad en los alumnos, los esquemas son imprescindibles, no podemos vivir en sociedad sin ellos, la evaluación debe atender a unos criterios bien definidos de antemano, las herramientas y las técnicas artísticas nos pueden librar de los estereotipos...


Personalmente, creo que puedo asegurar que la asignatura me ha sido útil para ir afianzando algunos conocimientos artísticos que poseía de antemano y ampliar a nuevos conocimientos que seguramente me serán de gran utilidad en un futuro. 


Tras este semestre, he llegado a la conclusión de que en las escuelas hacen falta nuevos proyectos, nuevas propuestas didácticas, ya que la sociedad está cambiando y, como parte de ella, las artes también. Así pues cabe esperar que los métodos de enseñanza en las escuelas también lo haga. Es por ello que es nuestro deber formarnos en esos nuevos métodos, aprender de nuevas técnicas artísticas, no únicamente las que nos dieron durante nuestros años de escolarización obligatoria, y estar dispuestos a ampliar nuestras fronteras, a ser capaces de estar en continua formación.


Para finalizar, me gustaría comentar que este blog, que durante el semestre he ido construyendo, no se quedará solamente aquí. Me será de utilidad para futuras referencias. Así mismo, trataré de seguir empleándolo como método a través del cual vaya ampliando mis conocimientos sobre la didáctica de la educación artística y pueda ir añadiéndolos y constatándolos aquí.

Y tras muuuchos días de trabajo y quedar día si día también...

... llegan los proyectos y sus presentaciones.
(en otras entradas también hay menciones a otros proyectos).

Finalmente hemos concluído los trabajos y sus presentaciones. Han sido días bastante duros. A lo largo de ellos hemos tenido que observar cada uno la obra de arte elegida, pensar en aquellos aspectos o ideas que nos sugerían, reinterpretarlas en obras propias, comenzar el proyecto de producción de la obra, ver que no daba el resultado esperado, volver a repensar nuestra obra... tutorías... presentaciones... exposiciones... en fin, un lío tremendo. Sin embargo, viendo el producto final y dándonos cuenta de los aprendizajes que hemos hecho gracias al largo proceso de elaboración y poniéndolos en funcionamiento en él, puedo asegurar que todo ese trabajo ha merecido la pena.


En nuestras obras hemos puesto en marcha algunas de las muchas ideas de las que hemos ido hablando en las clases teóricas. Entre ellas, están técnicas como el making off, el stop motion, el photoshop, técnicas fotográficas, etc.




A continuación haré un resumen sobre algunas de las obras (aunque no todas) que nuestros compañeros y compañeras nos han ido presentando y los aspectos interesantes que he ido observando en ellas.


En primer lugar está el proyecto llamado "The rotten apple" o "La manzana podrida" en castellano. Esta obra partió de una primera historia de infidelidad de una naranja que se iba con un plátano. En la reinterpretación de esta historia sugirieron numerosas ideas, sin embargo la que prevaleció fue la de Blancanieves. 
Esta reinterpretación está basada en que los finales de Walt Disney siempre son felices. Sin embargo esto no siempre es así en la vida real. Por ello decidieron cambiarle el final a uno de sus cuentos, haciendo así que una Blancanieves actual acabe en una bañera rodeada de drogas y bebidas.
En esta obra existe muchísima simbolismo presentes innumerables elementos a lo largo de la historia. Así pues encontramos aspectos importantes a mencionar como:
- La manzana del cuento original, que se corresponde con las drogas de la nueva obra, simbolizan la tentación. 
- Los colores tienen muchísima importancia, ya que la obra es en blanco, negro y rojo, donde el color rojo (característico de la manzana) hace referencia al dramatismo y a la fuerza expresiva. 
- El vestuario de la recreación y el del cuento original se corresponden. 
- Los personajes del cuento original han cambiado sus roles y ahora el príncipe y los enanitos son los que le inducen a las drogas, no es la madrastra quien le echa de casa sino el padre (el cazador) y Blancanieves deja de ser pura para caer en la tentación, simbolizado por su vestuario negro en el último fotograma.

El siguiente proyecto del que hablaré será el llamado "Cambio y tiempo". Este fue uno de los trabajos que sinceramente más me gustó. Partían de una obra inicial que consistía en una fotografía de otra fotografía antigua de un edificio enmarcada por el mismo lugar en el presente.
La obra a la que llegaron fue la siguiente:

En ella (me haya sido imposible dar la vuelta a la imagen y no se distinga muy bien) está representada la silueta de un hombre adulto en cuyo interior puede observarse un niño pequeño.
Simboliza el cambio, la transición que el niño ha tenido que llevar a cabo para convertirse en el adulto que es hoy.
Para ello dividieron los dos cuerpos en 3 partes: la imaginación, las expectativas y la evolución. Dentro de cada una de ellas colocaron una serie de parejas de fotografías, tanto dentro del niño como del adulto, para después unirlas mediante cuerdas de colores. De esta forma vemos transiciones tales como:

• Dentro del color de evolución (naranja) --> Del biberón a la botella de cerveza
• Dentro del color de imaginación (azul) --> Pensar en el médico como un torturador
• Dentro del color de expectativas (verde) --> De querer ir a la universidad a querer tener un trabajo

En mi opinión esta obra sería muy interesante para trabajar con los niños y niñas como propuesta desde el enfoque de deseos actuales y metas futuras, o para poder observar el transcurso del tiempo y la evolución. Como el tiempo pasa y actúa sobre las cosas, cambiándolas, destruyéndolas y creándolas. Además, las dos siluetas dibujadas son muy visuales y fáciles de comprender.

También me gustaría comentar "La selección artificial". Para ello nada mejor que comenzar con el vídeo que presentó su grupo como proyecto:

En él se pretende mostrar y hacer reflexionar sobre el hecho de como las nuevas tecnologías acaparan hoy en día toda la información y están provocando que las viejas vías, como los libros, se vean siendo desplazados y poco a poco vayan cayendo en el olvido.

Para la realización del vídeo se empleó la técnica del stop-motion (sobre la que he añadido una página aparte en investigaciones), que se podría perfectamente aplicar al aula de primaria en algún proyecto.

Por último, y aunque de esta obra no pueda presentar ningún recurso visual, me gustaría mencionar un proyecto que partió de la misma obra que nosotros, "Modern Chess Set", y llegamos a puntos diferentes. Así pues, mientras nuestro grupo nos decantamos por llevar a cabo una instalación en la que se produciría una lucha entre las diferentes marcas, los otros decidieron crear un vídeo por medio de la técnica stop-motion en el que se observara un tablero de dimensiones originales en el que muñecos de playmobil nos contaran una historia sobre la evolución de la igualdad entre hombres y mujeres.

A través de estos dos ejemplos pretendo hacer ver como la observación y reinterpretación de una misma obra de arte puede dar resultados totalmente diferentes.

Tras la observación de todos estos proyectos he llegado a la conclusión de que sería muy interesante plantear alguna actividad similar con el aula de primaria, ya que a través de este proyecto se ponen en práctica muchos de los conocimientos hablados en clase. Así pues, al elaborar este proyecto trabajamos numerosos conocimientos artísticos, como la simbología que podamos darle a nuestra obra, las técnicas artísticas (como la escultura, la pintura, las nuevas tecnologías, etc) que empleemos en ella, técnicas de pensar y estructurar las ideas a través de los bocetos, flexibilidad mental para cambiar el proyecto en caso de que no funcione, etc.

El prácticum de los compañeros.

Hace unas semanas tuvimos la semana del prácticum, en la que acudimos a los diferentes colegios con el fin de elaborar un proyecto en función de la asignatura que nos asignaron.
Mientras que nuestro grupo fuimos con un proyecto de naturales en mente, a otros compañeros les tocó centrarse en la asignatura de plástica.
Ellos durante su estancia en "Los Sauces" recabaron datos e información que más tarde nos mostraron en su presentación.


Su prácticum tenía relación con un conjunto de proyectos artísticos anuales que llevaban haciendo desde el año 2007 en dicho centro. Ese año en concreto se centraron en el Pop-Art, técnica artística caracterizada por el empleo de imágenes de la cultura popular y de los medios de comunicación entre otros aspectos.
Nuestros compañeros nos explicaron como tuvieron la oportunidad de entrar en las clases de plástica en las que vieron diferentes actividades. Una que mencionaron y me llamó la atención fue la llamada "Gota de tinta". Consistía en dejar caer una gota de tinta sobre un folio en blanco para después ir girando el folio e ir formando un dibujo. A través de esta actividad los niños pudieron trabajar la motricidad fina y la plasmación del movimiento que llevaron a cabo con la mano en el 


Así pues, nos comentaron sobre aspectos que les llamaron la atención desde un primer momento, como la decoración de los pasillos y los trabajos artísticos en las paredes. En nuestro colegio también pudimos observar esa clase de decoraciones, ya que los pasillos de infantil y primer ciclo de primaria estaban repletos de dibujos, actividades artísticas relacionadas con el día del libro (cayó esa semana), proyectos en los que estaban trabajando, etc. Incluso la clase de 5 años tenía la puerta decorada como si fuera la entrada a un castillo, que era el proyecto que estaban trabajando en ese momento. Sin embargo, si nos íbamos hacia las clases de los de 3º en adelante toda decoración desaparecía. Esto me recordó enormemente a el texto "Arte, mente y cerebro", donde se nos narra como en las escuelas primarias, el número de dibujos desciende bruscamente en comparación a infantil.


Por último me gustaría citar una frase dicha por una profesora de 5º de primaria del centro escolar de los Sauces: "Una hora semanal es suficiente si se estructuran bien los tiempos y la asignatura es transversal a otras áreas".
Esta frase tiene gran relación con el último texto que nos teníamos que leer, "MUSAC Escuela". En primer lugar debemos explicar que el MUSAC (MUSeo de Arte Contemporáneo) es un museo está ubicado en el centro Huarte. Dicho texto trataba acerca de las diferentes posibilidades y recursos que el museo podía tener en relación con las escuelas, y en uno de sus puntos nos hablaba de como la transversalidad era un aspecto importante a tener en cuenta. Ésto es debido a que para que una escuela pueda actuar un poco como un museo se requiere la participación de la totalidad de los maestros y maestras y para ello éstos deben estar en constante interacción y comunicación con el fin de que cada uno de sus proyectos estén relacionados con los demás. De esta manera si sería suficiente una hora a la semana, ya que en ella se podrían explicar los conocimientos más teóricos de la educación artística para ponerlos en práctica en otras asignaturas.
Ésto es lo que intentaron hacer en el colegio de mis compañeros a través de un mural que realizaron en conocimiento del medio gracias a la puesta en marcha de algunos elementos plásticos.

Evaluación del arte ¿y eso cómo?

Lo primero es para responder a esta pregunta es pensar: ¿qué es la evaluación? ¿en qué consiste? 
Lo más seguro es que todos nosotros tengamos una idea intuitiva de que es evaluar. Podríamos decir que consiste en elaborar juicios basados en realidades dirigidos a decidir si una persona (ya sea ajena o nosotros mismos) ha aprendido una serie de conocimientos.


Según lo visto en clase la evaluación es "la realización de un conjunto de acciones encaminadas a recoger una serie de datos en torno a una persona, hecho, situación o fenómeno con el fin de emitir un juicio sobre él mismo, para, posteriormente, establecer una toma de decisiones". 


Para los profesores de educación artística, al ser ésta una materia tan abstracta, supone un gran reto su evaluación. Atendiendo a la definición que hemos mencionado antes, la evaluación requiere de la recogida de un conjunto de datos para poder funcionar. Para poder llevar a cabo esta recogida de datos debemos contar con instrumentos de evaluación. Es ahí donde entran en juego instrumentos como las tablas, las cuales nos serán útiles para apuntar observaciones y aspectos a tener en cuenta según los criterios de evaluación a los cuales nos ciñamos. 


La evaluación de las artes debe ser, así misma, considerada como un proceso. Ésto quiere decir que los datos recogidos no deben realizarse en un momento concreto y "listo", debe seguir un proceso, un recorrido.
Para ello existen diferentes formas de evaluación: inicial, formativa y sumativa. Las tres son importantes para llevar a cabo una buena evaluación. La evaluación inicial resulta interesante ya que nos permite saber qué conocimientos previos a la explicación tienen nuestros alumnos y alumnas. La utilización de una evaluación formativa es adecuada y recomendable, sobre todo si consideramos la evaluación como un proceso. Esto es debido a que nos permite adecuar y ajustar nuestro trabajo a los que los alumnos nos vayan demandando, ajustarlo tanto al entorno como a los intereses de los niños y niñas, como sugiere el enfoque contextualista leído en el texto de "Por qué enseñar arte". 
También sería interesante que los niños pudieran llevar a cabo de forma paralela una autoevaluación, ya que ¿quién mejor que ellos sabe si están aprendiendo? Además, de esta forma los niños y niñas se harán conscientes de su propio aprendizaje. Gracias a todo esto evitaríamos caer en el error de realizar solamente una evaluación sumativa o final, que es la que evalúa de forma "matemática" y es la que se encarga de poner la "nota" final.

Existen diferentes enfoques y corrientes artísticas, pero no todos resultan adecuados para la evaluación. Por ejemplo la corriente autoexpresionista no contempla la evaluación. La evaluación no tiene sentido ya que la creación es propia de cada individuo. Es libre y es personal, y, por lo tanto, no podemos juzgarla. Según esta corriente el único método de evaluación que tendría sentido sería aquel que permitiese al autor juzgar su obra. Sin embargo los niños no pueden autoevaluar su obra sin una guía, ya que no tienen suficientemente desarrollado el pensamiento crítico.

Estereotipos

En la siguiente entrada trataré de clarificar un poco algunos aspectos sobre los estereotipos y que aspectos de ellos debemos conocer para no caer en el error de traspasarlos a los niños y niñas.


Los estereotipos (en educación artística) son modelos  plásticos que se generalizan. Estas generalizaciones no son positivas ya que nos niegan un sinfín de posibilidades. Con ésto quiero decir que al tener ya dichos modelos en la mente, cuando nos dicen que pensemos en una casa o en un superheroe, pensamos en un tipo concreto de casa o de superheroe, olvidándonos por completo de otras representaciones que podrían ser válidas igualmente. Esto es debido a que, generalmente, cuando tenemos claro qué es  o no arte nos negamos la posibilidad de conocer o experimentar otras experiencias.

¿Quién no ha dibujado una casa como la del siguiente dibujo?

¿A caso nuestras casas son así?
¿Cuántos de nosotros tiene la casa cuadrada con tejado rojo en pico y dos ventanas en el frente?
¿Por qué no dibujamos las casas que observamos en nuestro entorno?










Pero, ¿a qué son debidos esos estereotipos? ¿de dónde surgen? Es importante saberlo, ya que lo que hacen es reducir y coartar las capacidades creativas y expresivas de los y las niñas.
Algunas teorías, como la teoría de la autoexpresión, han intentado dar respuestas a estas preguntas.
Los niños, en su búsqueda de mejorar sus técnicas expresivas y artísticas, recurren a las imitaciones de dibujos hechos para ellos. Para observar un ejemplo de ello basta con recurrir a  la factoría Disney, responsable de la difusión masiva de películas, series y demás imágenes estereotipadas que los y las niñas, al ver una y otra vez copian en sus representaciones  gráficas.
Con ésto se produce el empobrecimiento de los recursos infantiles, así como la homogeneización cultural (aunque vivimos en culturas muy diferentes entre sí hacemos dibujos muy similares).

Otra de las causas a las que atribuyen esta generalización de los estereotipos son las esquematizaciones. Esto podría achacarse a veces a la falta de destrezas en según que edades. El problema, sin embargo, viene cuando a la edad de 10 - 12 años siguen haciéndolo exactamente igual.

Frente a ésto, algunas teorías aplicadas durante muchos años en educación artística han propuesto la no interferencia del adulto en la evolución artísticas de los niños. De éste modo se pretendía lograr que los niños no cayeran el los esquemas.
Estas teorías sin embargo no dieron resultado. Por un lado está el hecho de que no podemos separar a los niños y niñas de la sociedad, es imposible.
Por otro lado, frente a la eliminación de los esquematismos, lo que propusieron fue el dibujo libre, pensando que cuanto menos influencia tuviera el adulto en las producciones de los niños, más técnicas propias desarrollarían éstos.

Sin embargo, no cayeron en la cuenta de que los esquemas son necesarios para realizar representaciones y que la plena libertad frente al esquematismo no soluciona nada. De esto se dieron cuenta tras unos años de alpicar estas técnicas. Por un lado la enseñanza de la educación artística fue desprestigiada ya que si todo vale ¿qué es lo que se evalúa? Y por otro lado, los niños y niñas, al no recibir herramientas artísticas por parte de sus maestros, decidieron buscárselas ellos mismos consiguiendo que volvieran a producirse esos esquematismos.

Entonces ¿qué es lo que se debe hacer?

Por un lado, ya hemos expuesto que los esquemas (que no los estereotipos) son necesarios, ya que somos seres sociales, y el arte como expresión del ser humano, también tiene que ser social. Por ello necesitamos de unos esquemas, que todos tenemos en la cabeza, con los que nos entendamos mutuamente. No podemos pretender crear algo totalmente novedoso, ya que todo se ha basado en algo anterior.

Por otro lado está el problema de la homogeneización cultural. Una solución a ello sería el acercamiento de los niños hacia su cultura. Esto sería factible de realizar a través de la enseñanza de la historia a través del arte.

También se deberían proporcionar las herramientas y las guías adecuadas para el niño. Cuantas más herramientas les proporcionemos, más opciones a elección tendrán y menos influídos por los estereotipos estarán.


Todo lo mencionado a lo largo de esta entrada tiene mucho que ver con el texto de "Un mundo lleno de imágenes". Según dicho texto la imagen siempre ha tenido una gran importancia en la sociedad. Sin embargo especialmente en esta época nos encontramos en un mundo sobresaturado de imágenes. Es por ello que es importante que los niños y niñas sean capaces de moverse entre ellas de forma correcta, sabiendo itanto nterpretarlas como producirlas. Para ello nosotros como futuros maestros debemos tener en cuenta qué herramientas les servirán para ese fin y enseñarles y guiarles en ellas para no caer en el estereotipo plástico.

Diferentes técnicas artísticas

Quizás nos preguntábamos: "bueno, enseñar educación artística está claro que es realmente útil, ya que significa mostrar a los niños y niñas cómo interpretar, cómo relacionar conceptos que puede que a primera vista sean totalmente diferentes, guiarlos para que sean capaces de usar su imaginación... Sin embargo, todo ésto ¿no deberíamos hacerlo en referencia a unas técnicas? ¿no deberíamos ampliar tanto su como nuestro conocimiento sobre los diferentes elementos necesarios para crear una obra de arte?"


Durante nuestra escolaridad (en la mía al menos) las técnicas artísticas a las que únicamente se ha hecho referencia han sido la pintura y la escultura. Ha sido hoy cuando he escuchado por primera vez palabras como "performance" o "happening".


Esto debe cambiar. Nosotros, como futuros maestros y maestras debemos darles a los niños la oportunidad que merecen de conocer todas estas técnicas nuevas, ya sea a través de actividades o secuencias didácticas basadas en ellas o gracias a visitas a lugares de exposición. Para ello debemos informarnos y formarnos en ellas. 


Es por ello que en la siguiente entrada trataré de las (para mi) nuevas técnicas que he visto en clase, y también de las más antiguas.


Empezaremos desde lo más general: la pintura. 
Cuando empezamos en arte generalmente lo hacemos en pintura. Ésto tiene una razón de ser: que ha sido muy utilizada a lo largo de la historia. Y es que se la pintura ha sido objeto de uso desde los primeros humanos en las cavernas durante el neolítico hasta hoy en día.
La historia de la pintura ha ido cambiando, desde esos primeros pasos donde se empleaba para relacionar una representación bidimensional (dibujo de un mamut en las cuevas) a un objeto tridimensional (el animal real), a través de varia épocas, hasta hoy en día, donde incluso ha surgido una nueva y mejor forma de captar la realidad: la fotografía.


Tras la lectura del texto "Mente, arte y cerebro" he podido captar la existencia de una similitud o correlación entre los dos momentos más importantes de la pintura en la historia y la evolución de la pintura en los niños y niñas, y es que estos también comienzan por la pintura en sus producciones artísticas. 
Los dos momentos más importantes en la historia de la pintura fueron los siguiente:


- El Renacimiento --> se tenía obsesión por captar la realidad (al igual que en los niños hacia la edad de 8-9 años). Para ello se llevaron a cabo numerosas investigaciones sobre la perspectiva, el color y la composición con el fin de perfeccionar las técnicas capaces de lograr el realismo buscado.

Pintura realista renacentista de un caballo cuyo artista es George Stubbs
                                VS

Representación realista de un caballo cuya artista es una niña de ocho años
















- La Modernidad o el siglo XX --> en este momento ya se domina la técnica a través de la cual se le otorga realidad a la obra. Sin embargo no se utiliza. Se hace uso de la pintura como algo más personal, relacionado con la autocrítica. 


Tras la aparición de la fotografía, se comenzó a rechazar la función de captar la realidad tal y como es de la pintura, ya que dejó de tener sentido. A causa de ésto, la pintura pasó a ser más representaciones oníricas, subjetivas, surrealistas, metafóricas... 
Así pues cabe decir que la función de la pintura a lo largo de las épocas va cambiando, va transformándose. 

Esquema sobre el texto leído "Arte, mente y cerebro" de H. Gardner
Al pinchar aquí la vista se amplía

En primaria podemos emplear la pintura con numerosas finalidades. 
Algunos ejemplos: por un lado podríamos utilizar la técnica del boceto antes de pasar a la pintura final, ya que éste es un dibujo previo que obliga a estructurar y a pensar en las ideas que se quieren plasmar y en el camino que se va a seguir.
Asimismo, los materiales que empleemos siempre tendrán significado (podrá ser más o menos, pero siempre lo tendrá). Ésto es un aspecto a recordar cuando trabajemos la pintura con los niños.
Un ejemplo de este significado lo vemos en el proyecto realizado por unas compañeras de clase llamado "Polos Opuestos".

La imagen representa el no querer ver la realidad.
Utilizan la acuarela ya que hace que los colores se mezclen
y la realidad se distorsione.

La imagen representa el no querer escuchar la realidad.
Utilizan recortes de revistas y periódicos ya que simbolizan
la voz de los medios de comunicación.

La imagen representa el no querer expresarse en un mundo injusto.
Utilizan el grafito ya que simboliza el lápiz que escribe sobre la realidad
y el fácil olvido de las palabras, ya que el grafito se borra fácilmente.

La imagen representa la persona que se ha librado de las cadenas
anteriores y ahora es libre de expresarse y que se involucra en la sociedad.
Utilizan las pinturas de palo ya que simbolizan la libertad.

Cabe añadir que en esta obra la disposición que ocupaban las imágenes era también parte del simbolismo. Como el nombre del proyecto indica, se situaban en polos opuestos de la habitación, haciendo que la pintura que simbolizaba la libertad estuviera en el lado contrario de las demás y haciendo que nos planteáramos en qué lado estábamos nosotros.




Seguimos con la escultura:
Ésta puede llevarse a cabo a través de 3 técnicas que son:

• El modelado. Consiste en dar forma a materiales blandos y flexibles con los que se está trabajando, sin quitarle ni añadirle nada, hasta formar la figura deseada. 
• La sustracción. Consiste en tomar un bloque de un material e ir quitándole parte del mismo hasta formar la figura deseada.  
• Construcción. Consiste en añadir material hasta formar la figura deseada.

Con los niños estas técnicas se podrían emplear a través de plastilinas o barro de modelar.

Los materiales, al igual que en la pintura, pueden importar más o menos, pero generalmente tienen significado, y hay que tenerlo en cuenta a la hora de aplicar la escultura en clase con los niños y niñas. (como obra de basura)
Esto se podría trabajar con ellos a través de la siguiente pregunta: ¿por qué elegimos un material y no otro? ¿qué nos sugieren los distintos materiales?




El espacio, así como he mencionado antes, también tiene importancia en la escultura. Debemos plantearnos cómo usar el espacio: ¿porque marcar una distancia entre la obra y el espectador? ¿por qué no construir algo que sea interactivo?
Así es como nacen las instalaciones, que son lugares habilitados en los que la relación entre el sujeto, el objeto y el lugar es imprescindible, ya que una instalación no tendría el mismo sentido si no hubiera nadie utilizándola.

Aquí pongo un ejemplo de instalación. Ésta, llamada "Arte de luces", fue creada por el japonés Makoto Tojiki, que utiliza la luz como principal medio artístico.
Aquí el enlace para su página web.














A partir de aquí surgieron nuevas formas de arte, cuyo objetivo inicial era provocar, rebelarse contra las técnicas anteriores y criticar al sistema artístico clásico. 


Así surgió el performance en los años 70. Esta técnica artística tiene que ver con acciones efímeras llevadas a cabo en un momento determinado que no va a volver a producirse. Lo novedoso de él es que no es un objeto físico, sino una experiencia concreta irrepetible. También es inevitable ver grandes similitudes entre el performance y el teatro.
Veamos un ejemplo:

En este performance lo que se pretendía era concienciar tanto a los conductores como a los peatones del peligro que existía al cruzar por esa calle en particular debido a la falta de cumplimiento de las normas por parte de los conductores.




El happening es otra de estas nuevas técnicas. Es muy parecido al performance. Sin embargo se diferencia con él en cuanto a que tiene que ver con el azar y la improvisación, ya que no sabes como reaccionará el público. Y es eso lo que se busca, la reacción del público, que éste se imbuya en la obra. 
Como ejemplo nuestro proyecto de arte: "Guerra de Marcas":

Por último destacaré el net art o arte en la red. Gracias a internet y a su importancia por todo el mundo hace posible que una obra de arte pueda perdurar a través del tiempo y que pueda ser difundida a cualquier rincón del planeta.

¿Por qué enseñar arte?

¿POR QUÉ ESTUDIAR EDUCACIÓN ARTÍSTICA?


El arte en las escuelas primarias la mayoría de las veces ha estado desprestigiado, recluido a tan solo una hora diaria que en ocasiones incluso era desplazada para hacer sitio a otras asignaturas. Esto era debido a que en el ámbito escolar se relacionaban las ciencias con el aspecto cognitivo, y las artes con el emocional o afectivo, considerado inferior.


La mayoría de nosotros ha vivido ésto en sus escuelas o ikastolas. Casi todos recordamos la asignatura de educación artística como algo que los profesores empleaban para mantenernos entretenidos.
Es por ello que cabe hacernos varias preguntas: ¿a qué se debe esto? ¿cómo es que las artes se han considerado durante tantos años como una asignatura "inferior" de algún modo? y ¿deben las artes y las ciencias considerarse asignaturas totalmente independientes o cabe la posibilidad de que puedan interrelacionarse?


Quizás las dos primeras preguntas tengan que ver con el hecho de que las artes, a diferencia de las ciencias, que es un saber técnico estructurado, son un tipo de conocimiento complejo. Con ésto quiero decir que las artes son algo transversal que no puede ser entendidas desde una sola perspectiva, sino que entran en juego numerosas capacidades. 
Al interpretar una imagen no solo utilizamos el aspecto afectivo de nuestra mente, sino también el cognitivo. 
Pongamos un ejemplo de ello:

Autor:  M. C. EscherObra: Manos pintando
Año: 1948
Técnica: Litografía
Dimensiones: 33,2 x 28,2 cm

¿Qué podemos decir de esta obra?


- Sugiere un ciclo, un círculo vicioso. Recuerda a las dos serpientes que se muerden la cola (ahí ponemos en marcha nuestros conocimientos previos).
- Las manos surgen del papel, lo que nos lleva a pensar en diferentes perspectivas, un cruce de mundos.
- Se observa claramente como el autor está alterando la realidad, haciendo alusión a la relatividad y a espacios solo abarcables en la imaginación.








Se podrían decir muchas más ideas sobre la obra, sin embargo no es ese en objetivo de haber hecho ésto. Con este pequeño ejemplo he querido exponer como las capacidades cognitivas, la imaginación y la integración de unos saberes en conocimientos previos han sido fundamentales en la interpretación de esta obra, ya que no hubiera sido posible si no hubiéramos puesto en funcionamiento estas capacidades.
La comprensión de una obra de arte requiere que se relacione lo social y lo cultural, y la obra de arte ayuda a comprender el mundo cultural y social.


Así pues, la afirmación de que las artes solo tienen componente afectivo es totalmente falsa. Definitivamente, aunque sea cierto que al arte no se le ha dado la importancia que merece, éste puede ayudarnos a comprender el mundo y ha desarrollar diferentes habilidades con las plásticas y su interpretación. 


Todo esto tiene que ver con el texto leído, que nos hablaba de 2 teorías acerca de como entender el arte y sus aportaciones en el aula de primaria: Por un lado están las esencialistas, basadas en la concepción de que solamente hay que transmitir sobre el arte aquella serie de conocimientos que otras asignaturas no podrían transmitir, como la capacidad de imaginación que nos permite hacer la interpretación de imágenes. Por el otro lado están las contextualistas, según las cuales el currículum debe formarse en función de las necesidades que los alumnos y alumnas van requiriendo, y transmiten valores sociales y culturales.


Tras la clase de ayer y la lectura del texto cabe plantearnos la siguiente pregunta: ¿podrían ir estas dos teorías juntas? ¿tienen que estar necesariamente enfrentadas?
Según la reflexión que he hecho en la primera parte de la entrada, la enseñanza del arte en primaria se correspondería con ambas teorías en el sentido de que el arte conlleva una serie de aprendizajes que tienen que ver con el contexto (con la historia, con la cultura) y al mismo tiempo con aspectos más propios del arte (como la composición de colores o los volúmenes).


Tener esto en cuenta es realmente importante para nosotros como maestros, ya que según la concepción que tengamos del arte enseñaremos de una manera u otra. Si pensamos en el arte desde las dos teorías deberemos enseñar desde las dos teorías y no enseñaremos únicamente la forma y el volumen. Si nuestro único objetivo es enseñar, por ejemplo, la imaginación, trabajaremos desde las teorías esencialistas. Si por el contrario pretendemos también trabajar un problema surgido en clase o un tema social que afecte al aula ya no estaremos hablando solo de esencialistas, sino que también trabajaremos puntos contextualistas.

Segundo día. De excursión

Hoy teníamos una exposición en el Civibox de Iturrama. Así pues, hemos ido hasta allí tras terminar la clase anterior pensando en qué sería lo que nos íbamos a encontrar allí.
Cuando hemos llegado (un pelín tarde) nos hemos visto envueltos en distintas obras realizadas por artistas pacientes de un centro de enfermedades mentales.

A continuación comentaré algunas de las obras que tuvimos la posibilidad de observar y la oportunidad de interpretar el significado que tenían.


En esta imagen podemos observar un gran futbolín formado por un solo equipo. Este juego está pensado para dos o más jugadores, sin embargo es obvio que en esta recreación no es posible jugar ya que a parte de haber un solo equipo, éste está alineado una posición incorrecta e imposible de manejar. Es ahí donde observamos las características de los autores, pacientes esquizofrénicos a los que les resulta difícil relacionarse.





En esta segunda imagen nos centramos en la poesía y en lo visual. Esta obra llamada "Poema Sonoro" contiene numerosas interpretaciones.
Por un lado, observamos como se juega con las palabras no solo desde su significado, sino también desde su grafía, es decir, la palabra como dibujo.

Por otro lado, presenta a los objetos como condensadores de significados. Ésto quiere decir que los objetos, al igual que las palabras, proyectan y contienen ciertos significados dentro. Al combinar varios objetos, lo que se está haciendo es inducir una manera de pensar diferente en la que en lugar de utilizar palabras, empleamos el uso de objetos.

Poesía de Joan Brossa
Esta poesía visual puede tener numerosas interpretaciones:
- Está prohibido el juego
- No hay juego, se cerró

Un ejemplo de esta técnica de expresión artística   llamada poesía visual es Joan Brossa, uno de los grandes poetas visuales a nivel internacionales.
A través de la poesía visual se combinan objetos que al unirlos pierden la utilidad y el sentido que tenían, haciendo que ahora tengan un significado totalmente diferente. Se proponen  juegos de palabras que no tienen por qué tener un significado profundo a nivel político, filosófico, etc. (aunque también podrían tenerlo).








A continuación una tercera obra, la llamada "Incomprendido por el Vulgo". El procedimiento que siguieron los artistas en esta obra fue basado en una poesía del dadaísta Tristian Tzara.
A través de un juego propuesto, estas personas escogieron un artículo de prensa, cortaron palabras y luego las pegaron. La forma en la que se colocan dichas palabras puede ser de forma que generen un dibujo o de manera aleatoria y al azar. 

La finalidad de esta obra es jugar con las palabras. Se les quita importancia a las palabras porque las palabras, al fin y al cabo, pueden cambiar su significado en función de su colocación, en función de como se juegue con ellas.





Esto me ha hecho pensar y me ha recordado un trabajo que realizamos en 4º de la ESO en la asignatura de lengua. La actividad consistía en pensar en un poema determinado para, más tarde reinterpretarlo en una imagen. Así pues tras la lectura del poema decidí que la imagen tendría que estar hecha con las palabras de éste.


Creo que este tipo de actividades pueden, perfectamente a través de adaptaciones, transportarse al aula de primaria como recurso didáctico. En ella se podrían trabajar aspectos sobre el lenguaje y algunas capacidades lingüísticas tales como ampliación de vocabulario e interpretación de los significados plasmados en imágenes.













Por último destacaré una de las obras que realmente me ha llamado la atención y me ha recordado a algo que hacía ya bastante tiempo que había olvidado. La obra en cuestión se llama "Hoy, la ciudad es nuestra".

En realidad, lo que se pretendía con esta obra era representar cómo la ciudad puede llegar a ser, con un poco de imaginación, un escenario lleno de posibilidades dónde se puede disfrutar de experiencias ilimitadas. Ésto llegó a razón de que las personas autoras de las obras al preguntarles admitían sentirse, en ocasiones, invadidos por una sensación de miedo y desazón en algunos lugares de esta ciudad, como el aparcamiento del E.Lecrerc y el parque Yamaguchi. Así pues decidieron pasar a la acción "invadiendo" estos espacios. Para ello, a través de la técnica de la fotografía, inmortalizaron la conquista de estas zonas tras enviar a sus tropas (muñecos de Playmobil). A través de este ejemplo vemos como la expresión artística puede ser realmente útil en técnicas o actividades de ayuda para terapias dirigidas a personas con enfermedades mentales.

Sin embargo, a pesar de ser lo anteriormente expuesto lo que se quería reflejar, no fue eso lo que en un primer momento me sugirieron las imágenes, sino que, como ya he dicho antes, hizo que recordara algo que siempre he creído y en lo que hacia mucho que no pensaba.
Desde mi punto de vista, de niños y niñas observamos los objetos, las personas, los espacios, etc. de forma bastante diferente a cuando somos adultos. Con ésto lo que pretendo expresar es que los niños se mueven e interactúan en el mundo desde perspectivas mentales muy diferentes a los adultos. Ellos, en la interpretación del mundo que les rodea, ponen en funcionamiento su imaginación viendo así una nave espacial en el lugar donde hay una caja o el más terrible de los inframundos en el suelo del salón de su casa.


Como ejemplo de esta idea encontré ya hace unos meses una imagen que quizás ayude a clarificar esto que pretendo expresar:

Campaña holandesa por la prevención de intoxicaciones infantiles

Tras la visita a la exposición, he comprendido como la educación artística nos ayuda en numerosas ocasiones. Esta exposición solo era un ejemplo de ello, de como el arte a través del juego puede ser de gran ayuda en la recuperación de un ambiente de relajación y en la superación de miedos y situaciones en las que nos sintamos intimidados.

Primer día, un primer acercamiento

Hemos empezado con bastante fuerza para ser primer día. Quien dijera que la asignatura de educación artística fuera a ser medianamente relajada (yo me incluyo) mintió. Mientras que algunos creíamos que este día seria más bien tranquilo, hemos descubierto que no vamos a parar de investigar, leer documentos, etc. Incluso vamos a crear nuestro propio proyecto y una iconoteca.

Hoy, por ser primer día, hemos estado hablando sobre qué es el arte. Por grupos debíamos darle nuestra propia definición. Así pues, al empezar a debatir nuestro grupo, hemos llegado a la conclusión de que tenemos opiniones bastante diferentes, aunque también coincidimos es algunos aspectos.

En primer lugar, hemos decidido que la definición de arte puede variar dependiendo de la persona. Un ejemplo de ello está entre nosotros, ya que mientras que mis compañeros Peio y Laura opinaban que el arte puede ser tanto de origen artificial (creado a partir de la mano del ser humano) como natural (como puede ser una cascada o las dunas en un desierto), en mi opinión para que algo pueda ser considerado como arte debe de haber todo un proceso cognitivo detrás, junto con la finalidad o intencionalidad de transmitir algo, sensaciones, sentimientos, experiencias culturales... y, para ello, es un ser humano el que debe haber creado dicha obra.

Sin embargo hay un aspecto en el que sí hemos coincidido al pensar que tiene que transmitir algún sentimiento, sensación o emoción. Asimismo, esos sentimientos o emociones pueden variar en función del receptor, es decir, no a todo el mundo puede hacerle sentir de igual forma o puede evocarle los mimos pensamientos que a otros. Incluso puede suceder que mientras que a una persona pueda emocionarle y transmitirle innumerable cantidad de ideas, a otra no le mueva por dentro ni le despierte algo en su interior en absoluto. Todo esto depende tanto del pensamiento cultural y social de cada persona como de aspectos más personales e individuales de cada uno.

            ¿Arte o casualidad de la naturaleza?

Todo esto me lleva a pensar... ¿quizás debamos hablar de "ARTE" y "arte" como dos elementos a diferenciar? ¿Quizás deberíamos establecer un límite entre lo que es "ARTE" con mayúsculas y "arte" con minúsculas?

Me presento

Hola a todos los que vayáis leer este blog. Yo me llamo María Bernal y actualmente estoy estudiando 2º curso en el grado de Magisterio de Primaria. 
El blog que he creado en esta ocasión está dirigido a la asignatura de Educación Artística y su objetivo final es el recopilar todos los aspectos e ideas que puedan irme surgiendo a lo largo de este semestre sobre las conceptos que vayan siendo expuestos en clase, así como alguna que otra investigación que se me ocurra hacer por mi cuenta (que las pondré en páginas aparte).


Espero que el blog me sea de utilidad para ampliar mis experiencias artísticas (que son bastante pobres por el momento) y poder ser capaz de utilizarlas en mi futura profesión de la forma más adecuada.


Así que empezamos ya.